Наибольшую сложность представляют собой концерты

разновидность тематического концерта, в котором номера соединяются в единое целое. Театрализованный концерт представляет собой синтез различных музыкальных жанров. В развитии предклассического инструментального концерта большую роль сыграли сочинения сыновей Баха, а также композиторов берлинской, мангеймской и неаполитанской школ. Это "синий боец", который делает предложение на концерте любимой группы. - Это девушки и парни, "жужжащие" в унисон под песню Жук. - Это незабываемые разговоры в перерыве между первой и второй частью концерта. Взрослая аудитория более восприимчива и к глубинно-содержательным номерам, более терпима, не устает от продолжительного концерта. Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории. Что же представлял собой в эпоху Вивальди сольный концерт, ставший, по словам одного исследователя, "ведущей формой инструментальной музыки позднего барокко"? По образцу 3-частной оперной "sinfonia" концерт состоял из двух быстрых частей и одной средней медленной.

Азы музыкального искусства (сольные выступления)

Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории. Камерный концерт может представлять собой сольное исполнение музыкантов, дуэты или небольшие ансамбли. Среди популярных жанров камерно-инструментальной музыки — струнные квартеты, трио, сонаты и фортепианные трио. Запишите подобранное слово. АБОНЕМЕНТЫ на концерты, проходящие в Концертном зале имени П.И. Чайковского, можно приобрести во всех кассах Московской государственной академической филармонии. Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории, например, в школьном зале, так как трудно учесть интересы всех возрастных категорий зрителя. Концерты подразделяются и в зависимости от числа жанров. Хоровой концерт – жанр полифункциональный: это и кульминационная часть литургии, и украшение государственной церемонии, и жанр светского музицирования. У Бортнянского, текст концерта представляет собой свободную комбинацию строф из псалмов Давида. Концерты классической музыки всегда были популярным видом развлечения в Москве. В городе находятся одни из самых красивых концертных залов в мире, и он привлекает множество талантливых музыкантов со всего мира.

Как составить сценарий концерта

Вместе с музыкантом Ефимом Шапиро мы разбираемся что представляют собой концерты Sofar Sounds: как и где они проходят? Раннее крюковое письмо наибольшее сходство имеет с так называемой куаленской нотацией, представляющей собой последнюю и высшую стадию развития старовизантийской нотной системы. АБОНЕМЕНТЫ на концерты, проходящие в Концертном зале имени П.И. Чайковского, можно приобрести во всех кассах Московской государственной академической филармонии. При этом наибольшую сложность для осознания представляет именно ритмика. Одним из названий, придуманных журналистами для стиля Meshuggah, является mathmetal (mathematical metal) – "математический" металл. Концерты проводятся в самых разных помещениях: от частных домов и небольших ночных клубов, специальных концертных залов, амфитеатров и парков до больших многоцелевых зданий, таких как арены и стадионы.

Технология организации концертной деятельности на открытой площадке

Немало грандиозных шоу было проведено, но есть и такие, которые надолго останутся в истории и памяти фанатов. Представляем ТОП-10 самых масштабных концертов. 10. Tokio Hotel. «Поэтория» представляет собой «Концерт для поэта в сопровождении женского голоса, смешанного хора и симфонического оркестра», с введением также синтезатора света (в партитуре прорисована соответствующая партия света Luce). Эти концерты обычно состоят из нескольких частей – обычно 3, но может быть и больше. Каждая часть обычно имеет свое уникальное настроение и энергетику, что создает интерес и разнообразие в произведении.

Контрольная по режиссуре.doc

• Организация концерта: Как зарабатывать на любви к музыке
• Технология организации концертной деятельности на открытой площадке
• Как составить сценарий концерта - Prazdnikson
• Что такое камерный концерт: определение, история, особенности
• Контрольная работа: Видовое и жанровое разнообразие концертных программ

Организация концерта: Как зарабатывать на любви к музыке

Путь Стива Джобса. Путь сложный и жизни может не хватить. Это путь творческих людей. Если для вас важнее ремесло — просто продайтесь продюсеру. Только будьте готовы, что он будет выбирать из сотен таких же как вы. И вы можете оказаться не самым генетически ценным материалом. Буду рад, если кто-то из читающих зашёл дальше меня в своих рассужденниях, а ещё лучше — в практике, и готов поделиться своими идеями. Респект за чтение и терпение: Музыка — это круто. Создание группы — это только начало. FAQ по организации онлайн-концерта Онлайн-концерты — главное музыкальное развлечение последних месяцев, когда концерты обычные исчезли в лучшем случае до осени, а все ключевые европейские фестивали уже перенесли на 2021 год. Но музыканты не сидят на месте, включают лайв-трансляции в «Инстаграме» — и продолжают радовать нас своей музыкой.

И тебе никто не мешает взять с них пример — на самом деле, тут нет ничего сложного. Онлайн-концерты — это чисто карантинная история? Нет, их давали и раньше. Речь и про условные выступления на музыкальных сегментах телешоу, и про полноценные концерты, записанные под онлайн-аудиторию. Разница лишь в том, что там все-таки была хоть какая-то аудитория. А феномен видео с Boiler Room как раз в чувстве толпы, присутствующем на каждом их ролике. Но с приходом ковида все изменилось — зрителей нет, есть только музыканты и снимающий их девайс. С одной стороны, это перенасытило рынок. С другой — у тебя есть отличная возможность выделиться на общем однообразном фоне. Разберись, зачем тебе это Самое главное — взвесь все за и против.

Ты точно готов -а выступать в камеру своего смартфона? А песни будут уместно звучать в таком формате? Ты и твоя аудитория извлечете взаимную выгоду и речь не только о финансах из такого мероприятия? Если ответы на все вопросы выше — «да», смело начинай готовиться. Помни: в онлайн-концертах своя специфика Онлайны сложно назвать полноценными концертами хотя бы из-за того, что никаких подбадривающих тебя зрителей не будет. Зато будет заинтересованная публика, которая зачем-то кликнула именно на твой стрим из тысячи других альтернатив и всегда готова поставить «сердечко» твоему выступлению — цени их не меньше, чем людей в первом ряду. Пожалуйста, не нужно делать трансляцию выступления на сцене. Во-первых, это выглядит неловко: артист скачет перед очевидно пустым залом. Во-вторых, аренда большого помещения и отстройка звука там — лишняя трата времени и денег. В-третьих, шарм онлайнов — как раз в их камерности и «карантинности».

Определись с платформой Проблем со стримингом ивентов не было и до карантина-2020. Все давно и легко освоили Twitch и Instagram. Лайвы во «Вконтакте» сейчас тоже запускаются в несколько кликов и с мобильной, и с десктоп-версий , а конференции в Zoom — признак хорошего тона этой весны. Выбрать можно любую из этих платформ, на каждой из них запуск стрим-трансляций понятен интуитивно, но чувствуй специфику: Twitch исторически больше используется для стриминга видеоигр, Zoom — место для разговоров и конференций, «Вконтакте» в последние годы стал проигрывать тому же Instagram, а за любым видеоконтентом люди по-прежнему заходят в первую очередь на YouTube. Можно поискать и платформы, специализирующиеся как раз на онлайн-ивентах. В Беларуси, например, параллельно с началом карантина появилась площадка artist. Как все это запустить Если речь про Instagram или Zoom, все делается буквально в полтора клика: просто запусти трансляцию и начинай выступать. Не забывай поглядывать в чат, коннект с аудиторией — это важно. В Zoom придется потратиться на платный аккаунт от 15 долларов , чтобы снять ограничение в 40 минут трансляции и потолок в 100 человек аудитории. С Twitch не только просто разобраться, но сервис также активно развивает свое музыкальное направление на фоне COVID-19, сейчас на платформе автоматически подключается система донатов, чтобы аудитория могла поддерживать артистов не только вниманием, но и деньгами.

YouTube дает чуть больше опций, в том числе позволяет запустить стрим не с одинокой камеры, а подключить полноценную трансляцию об этом чуть ниже. Все бесплатно, но аккаунт нужно верифицировать, а возможность стриминга появляется у каналов от тысячи фолловеров. Заодно YouTube позволяет интегрировать донаты: и напрямую подключи функцию «superchat» , и через возможность подтянуть ссылки на продажу мерча. А что по оборудованию? Правда наших дней в том, что для приятной картинки в «инсте» тебе хватит и хорошего смартфона. Отталкивайся от того, что смартфон твой, друга, сестры — выбирай самый мощный из возможных дать не может: качественное освещение лучше сделать самостоятельно никто не хочет смотреть стрим из полумрака , равно как и купить стабилизатор-штатив, чтобы не устраивать аудитории тест на эпилепсию. Заодно заранее проверь качество записи, лишний раз протри камеру и настрой звук. Но не забывай, что концерт с одинокой смартфонной камеры — это лампово и обаятельно, но всегда приятнее смотреть на выступление, которое транслируется с нескольких ракурсов, а звук пишется на качественное оборудование. Тут есть два варианта — попроще и покачественнее. Простой: скачай программу OBS Studio бесплатно , она нужна для того, что все настроить.

Качественный: найди хорошую камеру захвата а лучше две , оператора, который будет тебя снимать, хороший микрофон, а также микшер и звуковую карту, чтобы ты и выглядел -а красиво, и звучал -а четко, звонко и без лишних шумов. Выбери удачное время и не забудь про анонс Время — это важно. Думай о том, когда свободна твоя аудитория. Подскажем: в головах людей концерты — это по-прежнему развлечение выходного дня. А поход ли это в клуб или переход на ссылке — уже вторично. Поэтому твой оптимальный выбор — вечер пятницы или субботы. Но заранее проверь, нет ли в это же время онлайн-выступлений твоих коллег по сцене, чтобы не рвать аудиторию на части. И если ты не Бейонсе, твои концерты-сюрпризы вряд ли вызовут вау-эффект. Поэтому не поленись анонсировать все хотя бы за неделю: «Вот, такого-то числа буду стримить свое выступление в 19:00, подключайся». Не хочу делать все один одна , как быть?

Запомнилась и трактовка сонаты Метнера: убедительно был передан ее сумрачный колорит и утонченность стиля. В открывавшей вечер Сонате Шуберта ля мажор Фаворин словно еще подстраивался под акустику КЗЧ, находясь в поиске звукового баланса; в интерпретации преобладало нарочитое стремление к оригинальности высказывания, конфликтующее с возвышенной ясностью самого материала, той самой шубертовской «простотой», которая стоит иной вычурной сложности. Завершавшая концерт Шестая соната Прокофьева на первый взгляд идеально соответствовала темпераменту пианиста: технический размах, фресковый масштаб звука, виртуозная гонка в финале. Тем не менее именно в последней части Фаворина ощутимо «заносило на поворотах». Да, блестящая виртуозность позволила ему без потерь преодолеть всю дистанцию сонаты, и фанаты, конечно же, встретили такой финал бурной овацией. Было ли это оправданным музыкально — вопрос дискуссионный.

Соотношение контрастов и пиков разрядок и переключений заставляет перемешивать номера, придерживаясь тенденции облегчения программы по мере приближения к финалу. Концерты самодеятельного эстрадного коллектива могут проходить в залах клубов и Домов культуры. Необходимо практиковать также отчетные концерты самодеятельного коллектива, которые проходят 1—2 раза в год. Готовить их надо особенно тщательно, воспитывая тем самым у самодеятельных артистов чувство ответственности перед слушателями. Творческие отчеты самодеятельных коллективов должны проходить в торжественной обстановке. Реклама, теплые слова в адрес коллектива, сказанные со сцены, различные формы морального и материального поощрения будут способствовать дальнейшей успешной деятельности.

Учитывая многообразие форм концертной практики самодеятельных эстрадных музыкальных коллективов, следует еще раз подчеркнуть необходимость жанрового и тематического разнообразия репертуара оркестров и ансамблей. Это обеспечит коллективам широкий диапазон их деятельности. Интересно можно выстроить и решить сценически собственную концертную программу, принять участие в тематическом концерте, посвященном праздничной дате, провести танцевальный вечер в клубе. Действенным стимулом творческого совершенствования самодеятельного эстрадного музыкального коллектива является его участие в различного рода смотрах и конкурсах. Однако участие в конкурсах необходимо соизмерять с творческими и воспитательными задачами самодеятельности в целом и данного коллектива конкретно. Конкурсы ни в коем случае не могут быть самоцелью, подготовка к ним не должна определять направление, подменять или нарушать планомерный ход учебно-воспитательного процесса.

Существуют способы обеспечения непрерывности концертного действия: 1.

Управление осуществляется при помощи фейдеров в интерактивном режиме. Светотехник следит за тем, чтобы работа света была максимально синхронизирована с музыкальными композициями, звучащими со сцены. Использование современной аппаратуры позволяет автоматизировать р аботу части светового оборудования, запрограммировать ее в соответствии с временной шкалой и графиком конкретного мероприятия. Концертное оборудование Организация мероприятий как крупного, так и небольшого масштаба предполагает использование большого количества оборудования. Для того, чтобы обеспечить качество работы всех систем, участвующих в концертном мероприятии, необходимо: Для света: консоли управления освещением, светодиодные стенки и сервер для обеспечения их слаженной работы, прожектора разной степени мощности, пиротехническое оборудование, ламповые установки. Для звука: установка для управления звуком для звукорежиссера, проводные и беспроводные мониторы, соответствующие разным типам инструментов, радиомикрофоны с предусилителями, колонки и многое другое. Декорации для сцены, включая, огромные видеомониторы и экраны для фонового оформления.

Планирование концертных мероприятий Людям, которые заказывают услуги аренды декораций, звукового и светового оформления, необходимо учитывать, что проведение концертов и праздничных мероприятий начинает планироваться задолго до предполагаемой даты его проведения. В среднем этот промежуток времени составляет месяц.

Проведение концертов: техническая сторона вопроса

И возможность получить бесплатные билеты, и растущий круг друзей мешают мне отказываться от предложений о концертах. Вдобавок к этому, конечно же, есть дополнительные концерты, которые привлекают мое внимание. В первую очередь в области камерной музыки и сольных концертов. Мероприятия, которые мы с женой не можем не посетить, при условии, что они доступны по цене и географически доступны см. Также ниже. Как указано выше, я поставил себе правило писать примерно на каждый концерт , который я посещаю.

Благодаря этому обзоры в моем блоге остаются «живыми». И это также заставляет меня внимательнее слушать, заставляет вспомнить больше деталей о работах, выступлениях и артистах. Обратной стороной, однако, является то, что — как легко представить — «мой аппетит больше, чем мой желудок». Так было с того времени, когда я рассмотрел Bachtrack , до момента, когда пандемия полностью остановила концертную жизнь. Я часто был настолько занят, что в конечном итоге работал больше, чем в моей предыдущей профессиональной жизни.

Что на самом деле много значит. Эта статья — попытка избежать такой перегрузки, возможно, чтобы избежать приглашений и ожиданий других людей. Моя рабочая этика как критик Для ведения блога с обзором концерта я установил для себя ряд правил и принципов: Я хочу писать о на каждый концерт, который я посещаю. Если накопилось слишком много невыполненных обзоров, мне, возможно, придется пропустить один или несколько концертов. Я стараюсь применять ing те же критерии «универсальный» ко всем концертам , которые я посещаю.

В то же время, если я подозреваю, что событие приведет к посредственной, если не отрицательной оценке, я лучше пропущу мероприятие. Я не хочу никого обидеть или оскорбить. Это также причина, по которой я стараюсь пропускать местные мероприятия. Есть некоторые исключения из вышеперечисленного. Иногда я не согласен с точкой зрения артиста мирового уровня, основанной на записях или видео на YouTube.

Учитывая их в целом высокий рейтинг, я могу иногда посещать концерт, чтобы переоценить проверить или опровергнуть свои предвзятые мнения. Я очень стараюсь избегать отзывчивости. Я хочу, чтобы мои отчеты были искренними. Они должны отражать мой истинный личный музыкальный концертный опыт. Конечно, я всего лишь человек.

Я признаю, что иногда трудно критиковать дружелюбных художников и организаторов. Однако я заметил, что почти во всех случаях артист любит критические и подробные отзывы. Если, конечно, критика будет обоснованной. Это подтверждает мой курс на критические и подробные отзывы. Мне пришло в голову, что некоторые могут увидеть опасность того, что меня подкупят бесплатные билеты для прессы.

Может ли это подтолкнуть меня к положительным отзывам? Это едва ли может быть дальше от реальности! Я обычно трачу как минимум на два полных дня на подготовку обзора составление оценок, поиск в Интернете и т. Если я тоже фотографирую, могу потратить еще 1-2 дня на просмотр сотни снимков в поисках лучших снимков. И ничего из этого не получает компенсации.

Кроме того, я плачу за проезд на концерт и обратно. Эти расходы часто превышают стоимость обычного билета. Ведение блога, умывальник? В случае с концертами в идеале мои отзывы оказываются взаимовыгодными: Я могу получить 1-2 бесплатных билета, и я, конечно, наслаждаюсь музыкой, концертом, контактами. В свою очередь, артисты и организатор получают подробный и надеюсь внимательный обзор, описывающий, как я как слушатель воспринимаю выступление.

Затраты на билеты для прессы часто отсутствуют: если билеты на концерт не распроданы, я не сажусь ни на кого. Также есть расходы на ведение блога хостинг, программное обеспечение и т. Мой единственный фактический «доход» — это ссылки на продукты amazon. Однако это случается так редко, что за последние 5 лет я, возможно, смог бы купить 3 компакт-диска по обычной цене. Это просто не сравнить с моими расходами, даже отдаленно.

На самом деле я могу позволить себе вести блог только потому, что я на пенсии и живу за счет своих пенсионных фондов и социального обеспечения. И, конечно же, я черпаю мотивацию в любви к музыке. И от удовлетворения через дружбу с музыкантами и организаторами. Какую роль я могу сыграть в концертной критике? Наконец, я подхожу к основной цели этого документа: Что вы могли бы знать, прежде чем попросить меня дать обзор концерта.

Я полностью признателен за ваше желание, чтобы я оставил отзыв о вашем концерте -ах или сольном -ых концерте -ах. Однако мне бы хотелось избежать разочарований и разочарований. Поэтому я хотел бы, чтобы вы реалистично оценивали, чего вы можете ожидать или на что надеяться. Объем проверки Я строго ограничиваю прослушивание музыки классической музыкой. Большая часть моего опыта связана с музыкой от барокко до поздней романтики.

Вот где я могу полагаться на опыт концертов и записей , чтобы судить и формировать свое личное мнение. Для современных классических композиций очень часто не с чем сравнивать, нет доступных или легкодоступных партитур. В моих комментариях к таким работам все же затрагиваются аспекты исполнения координация, звук, интонация, взаимодействие с акустикой. Однако, помимо этого, мои обзоры сосредоточены на описании моих личных впечатлений, эмоций и образов, которые вызывает такая музыка. Репертуар, что я Не Покрытие Я не слушаю и отказываюсь от комментариев поп, рок, фолк и т.

Или то, что иногда называют «популярной музыкой». Это включает смешанные «гибридные» или «смешанные» жанры, такие как кроссовер и т. Иногда я слушал джаз в основном несколько десятилетий назад , может, действительно наслаждался им, но у меня нет знаний и опыта даже для того, чтобы рассказать об этом. Так что это тоже исключено. Я принял решение ограничиться классической музыкой более 50 лет назад.

И я придерживаюсь этого — одной жизни недостаточно, чтобы охватить больше с достаточной глубиной. Настройки репертуара В рамках того, что я назвал выше «классической музыкой», я налагаю дополнительные ограничения. Это не потому, что я не люблю определенную музыку или жанры. Скорее, я хочу сосредоточиться на событиях, выступлениях, которые мне удобно комментировать: Мне нравится опера и театр, но я не хочу комментировать постановку сцены и связанные с ней аспекты. Так что оперные рецензии — редкое исключение пока я просмотрел только одно «настоящее» оперное исполнение, по особому запросу Bachtrack.

Другое дело — опера в концертных залах, я могу подумать. Мне нравится балет, но у меня нет ни знаний, ни терминологии, ни языка, чтобы даже просто поговорить о нем. Жанры Другие ограничения связаны с тем, как «работает» мой блог. Я отказываюсь делать «быстрые и грязные» обзоры. Я хочу придерживаться своих стандартов качества, глубины и детализации.

Кроме того, я не только писатель обычно это достаточно сложно! Последнее включает в себя ведение баз данных, внутренние перекрестные ссылки, внешние ссылки, проверки согласованности и освещение в социальных сетях. Чтобы все это работало, я придерживаюсь стандартных схем рецензирования, чтобы не потеряться в сложности процесса публикации. В выбранной схеме концерты с большим количеством небольших произведений обычно оказываются трудоемкими. Особенно, если они от разных композиторов.

Это одна из причин, почему я редко хожу на песенные выступления. Я более склонен посещать выступления целых песенных циклов например, Winterreise Шуберта. Чем проще структура программы, тем легче мне написать о концерте. Кроме того, я охватываю большинство жанров классической музыки с некоторыми предпочтениями. Например, в стиле барокко и более старой музыке я обычно предпочитаю исполнение на исторических инструментах интерпретации на современных инструментах.

Я стараюсь быть максимально непредубежденным. Тем не менее, есть некоторые редкие вещи, которые вызывают у меня меньший энтузиазм. Например, я никогда не был большим поклонником мандолины. Художники Как указано выше: хотя мне не обязательно не нравятся их выступления, лично мне менее привлекательно комментировать интерпретации признанных звезд мирового класса. Особенно, если они находятся на последнем этапе своей карьеры.

Результаты таких проверок часто предсказуемы. Бесчисленные критики уже прокомментировали эти или похожие выступления. Эти художники обычно игнорируют обзоры. Их фан-сообщества принимают только те комментарии, которые соответствуют их предвзятому мнению. Меня это на самом деле не волнует, но я не хочу начинать жаркие споры.

Если уровень исполнительского мастерства снижается, иногда стоит рассказать правду. Однако писать такие комментарии обычно довольно неприятно. Очень часто репертуар таких артистов хорошо задокументирован в записях. При этом разумный обзор будет ограничен «формой дня». Основной репертуар?

Во-первых, меня нет в списке рецензентов таких ансамблей «не аккредитованный представитель прессы». Кроме того, большие оркестровые концерты часто все еще достаточно освещаются в печатных СМИ. Большие оркестровые концерты — дорогое удовольствие. Это почти вынуждает организаторов использовать репертуар, который может привлечь большую более аудиторию. Конечно, я не имею ничего против того, чтобы пересмотреть исполнение «больших» классических симфоний или популярных классических и романтических концертов.

Но если этот репертуар повторяется снова и снова, я теряю интерес к его повторению. Концерты камерной музыки и сольные концерты обычно охватывают более широкий и неосновной репертуар. Цели и направления Я написал о своем взгляде на цель музыкальной критики в более раннем сообщении в блоге 2018-10-27. В более позднем посте 2019-11-10 я написал о соответствующих требованиях ко времени. Я не хочу здесь повторяться.

Всего несколько дополнений: Вылет Я не газета. Это просто частный блог.

Но как они, познавши Бога, не прославили Его, как Бога, и не возблагодарили, но осуетились в умствованиях своих, и омрачилось несмысленное их сердце... В этих словах апостола Павла таится ключ к пониманию сущности путей всей дохристианской музыки. Музыка чревата богопознанием или, другими словами, на пути музыки есть потенциальная возможность познать Бога, но возможность эта не могла быть реализована в мире до воплощения Господа нашего Иисуса Христа в силу поврежденности человеческого сознания грехом. И тем не менее, возможности эти необходимо учитывать, так как, реализовавшись в богослужебном пении Нового Завета, они сделались его неотъемлемой частью, в силу чего понимание самого новозаветного пения будет неполным, если возможности эти останутся вне поля зрения.

Конкретное проявление этих возможностей можно обнаружить в музыкально-теоретических и музыкально-философских системах Древней Греции. Создание этих систем не является заслугой исключительно древнегреческой культуры, ибо корни их уходят в глубокую древность и фундаментом их служат музыкальная практика и музыкальные воззрения древневосточных цивилизаций. Греческие же философы возвели на этом фундаменте грандиозное здание античного учения о музыке, синтезировавшего в себе все достижения музыкальной мысли древнего мира. Музыкальный закон есть прежде всего закон материальный, и проявляется он в виде определенного физического порядка, воплощенного в иерархии музыкальных тонов, складывающихся в музыкальный звукоряд. Осмысление этого закона, или порядка, приписывается Пифагору, долгое время обучавшемуся на Востоке и многие из своих знаний вынесшему из тайных святилищ древнеегипетских храмов. Суть этого закона сводится к осознанию связи между высотой звука, длиной звучащей струны и определенным числом, из чего вытекает возможность математического исчисления звукового интервала через выражение его посредством деления струны, например: октава с делениями 2:1, квинта — 3:2, кварта — 4:3 и т.

Эти пропорции одинаково присущи как звучащей струне, так и строению космоса, отчего музыкальный порядок, будучи тождественен космическому мироустройству, проявляется в особой «мировой музыке» — Musica mundana. Мировая музыка возникает вследствие того, что движущиеся планеты издают звуки при трении об эфир, а так как орбиты отдельных планет соответствуют длине струн, образующих консонирующее созвучие, то и вращение небесных тел порождает гармонию сфер. Однако эта небесная сферическая гармония, или музыка, изначально недоступна человеческому уху и физическому восприятию, ибо ее можно воспринимать только духовно через интеллектуальное созерцание. Эта концепция является, очевидно, слабым отголоском памяти об ангельском пении, отдаленным и сильно извращенным представлением о нем. Разумное пение бесплотных умов, прославляющих Бога, подменено здесь звучанием, производимым пусть и огромными, но бездушными космическими телами. И все же концепция эта содержит определенную долю истины, заключающуюся хотя бы уже в том, что признается само наличие некоего небесного звучания, являющегося проявлением высшего порядка, недоступного для физического восприятия.

За Musica mundana, по учению пифагорейцев, в космической иерархии следует Musica humana, или человеческая музыка, ибо человеческому существу также присуща гармония, отражающая равновесие противоположных жизненных сил. Гармония есть здоровье, болезнь же есть дисгармония, отсутствие консонант-ности. Отсюда беспрецедентное значение музыки для жизни человека в учении Пифагора. Так, Ямвлих сообщает: «Пифагор установил воспитание при помощи музыки, откуда происходит врачевание человеческих нравов и страстей и восстанавливается гармония душевных способностей. Он предписывал и устанавливал своим знакомым так называемое музыкальное устроение или понуждение, придумывая чудесным образом смешение тех или иных мелодий, при помощи которых легко обращал и поворачивал к противоположному состоянию страсти души. И когда его ученики отходили вечером ко сну, он освобождал их от дневной смуты и гула в ушах, очищал взволнованное умственное состояние и приуготовлял в них безмолвие тем или другим специальным пением и мелодическими приемами, получаемыми от лиры или голоса.

Себе же самому этот муж сочинял и доставлял подобные вещи уже не так, через инструмент или голос, но, пользуясь неким несказанным и недомыслимым божеством, вонзал ум в воздушные симфонии мира, слушал и понимал универсальную гармонию и созвучие сфер, создавшее полнейшую, чем у смертных, и более насыщенную песнь при помощи движения и круговращения. Орошенный как бы этим и ставший совершенным, он замышлял передавать своим ученикам образы этого, подражая, насколько возможно, инструментами и простым голосом» [7, с. Таким образом, третий вид музыки — музыка инструментальная, или Musica instrumentalis, есть лишь образ и подобие высшей музыки Musica mundana. И хотя божественная чистота числа в земной слышимой музыке не может получить полного телесного воплощения, все же звуки инструмента способны приводить душу в состояние гармонии, готовой в свою очередь воспринять гармонию небесную, ибо подобное воздействует на подобное и может быть воздействуемо подобным. Это приведение души в единение с небесной гармонией и составляет суть катарсиса, или очищения. Катарсис, представляющий- собою очищение сознания от всего случайного, преходящего, не консонантного и обретение состояния высшей гармонии, есть одно из центральных понятий древнегреческого учения о музыке вообще и пифагорейского учения в частности.

Однако в практике учеников Пифагора катарсис достигался не одной только музыкой, но действием целой аскетической системы, в которой катарсическая природа музыки сочеталась с постом, молитвой и гаданиями, ибо, как свидетельствует Ямвлих, «из наук пифагорейцы более всего почитали музыку, медицину и мантику искусство гадания ». Если медицина дарует гармонию тела, а гадание, или мантика, стремится привести человека в гармонию с внешними обстоятельствами, с его судьбой, то музыка дарует гармонию самой душе. Из признания подобного влияния музыки на душу человека напрашивается вывод, что структурно разные мелодии обладают различным этическим воздействием на сознание. Это положение, являющееся содержанием следующего исторического этапа развития музыки, получило название учения об этосе. Впервые греки услышали об этом учении от афинянина Дамона, который был учителем музыки Перикла и Сократа. Полное же развитие и системность учение об этосе обрело в произведениях Платона.

Если учение Пифагора носило эзотерический характер и цель музыки для пифагорейцев заключалась в достижении катарсиса отдельными избранными и посвященными учениками, то целью музыки по Платону являлось воспитание идеального гражданина идеального государства, мыслящегося как подражание космическому целому, как воплощение космоса с его вечными и непреложными законами в государственной, гражданской и личной жизни. Музыка и гимнастика представляли собою основные проявления этого воспитания, причем музыка мыслилась как «гимнастика души», воспитывающая человека твердого, непоколебимого и четко организованного, точь-в-точь так, как организовано движение небесных светил. Такое отношение к музыке характерно для всей древнегреческой культуры. Граждане Аркадии, например, обучались музыке в обязательном порядке до 30-летнего возраста; в Спарте, Фивах и Афинах каждый должен был обучаться игре на авлосе, а участие в хоре было важнейшей обязанностью любого молодого грека. Но так как различные музыкальные структуры оказывают различные воздействия на душу человека, то естественно, что среди этих структур могут быть выявлены более подходящие, менее подходящие и вообще не подходящие для воспитания. Различение или познание пользы и вреда музыкальных структур и является сутью учения об этосе.

Так, из ладов у греков наиболее возвышенным, мужественным и нравственно совершенным почитался дорийский лад. Интересно отметить свидетельство Климента Александрийского , сообщающего, что «у евреев господствует дорийский лад». На преобладание дорийского лада в ветхозаветном пении указывают также упоминаемые труды 3. Фригийский лад почитался греками возбуждающим и пригодным для войны, лидийский — женственным, изнеживающим и расслабляющим, а потому непригодным для воспитания свободного человека. Соответственно каждому из других ладов приписывалось свойственное лишь ему одному этическое содержание и воздействие. Этической оценке подлежали не только лады и ритмы, но и инструменты.

Так, Пифагор, употребляя лиру, «считал флейту чем-то распущенным, напыщенным и недостойным для звучания у свободного человека». Платон почитал инструментом, развращающим нравы, авлос. Вообще же Платон, проводящий учение об этосе наиболее последовательно и жестко, допускал в своем идеальном государстве употребление только двух ладов: дорийского — в мирное время, фригийского — во время войны. Отсюда напрашивается вывод о необходимости строгого духовного контроля над живой музыкальной практикой. Поющие и играющие на инструментах не должны следовать свободному полету вдохновения и своеволия, но руководствоваться соображениями духовной пользы, отбрасывать все развращающее, излишне возбуждающее и изнеживающее и придерживаться лишь того, что очищает, возвышает и приводит в гармонию, а это возможно только при наличии канона или свода специальных канонических правил. Подлинно духовное, нравственное искусство должно быть каноничным.

Образцом такого канонического искусства для Платона являлось искусство египетское. Установив, что именно является таким, египтяне выставляют образцы напоказ в святилищах, и вводить нововведения вопреки образцам, вымышлять что-либо иное, не отечественное, не было позволено — ни живописцам, никому другому. То же и во всем, что касается мусического искусства. Так что произведения живописи или ваяния, сделанные там десять тысяч лет назад, ничем не прекраснее и ничем не безобразнее нынешних творений» [8, с. Такая стабильность обеспечивалась в музыке с помощью древнеегипетского принципа «нома»— мелодической модели, строго закрепленной за определенной ситуацией и канонически утвержденной. Именно каноничность позволяет сохранить верность изначальному образу прекрасного и удержать музыку на духовно нравственной высоте, что имеет государственное значение, ибо нравственное состояние музыки есть показатель нравственного состояния государства.

Однако живая музыкальная практика античного мира не смогла удержаться на высоте этих духовных требований. Жажда наслаждения и острых переживаний оказалась сильнее стремления к духовному совершенству, и, сломав все канонические границы, музыкальное искусство перешло в следующую стадию своего существования — в стадию эстетическую. Отныне целью музыки стало не слияние с высшей гармонией, не воспитание мужественного гражданина, а некое особое наслаждение, называемое эстетическим наслаждением. По словам Аристотеля, музыка есть «заполнение нашего досуга», и служит она «интеллектуальным развлечением свободно рожденных людей». Теперь нет ничего недозволенного, и любое средство, способное доставить наслаждение или острое переживание, допускается даже в том случае, если имеет на душу развращающее и пагубное воздействие. Вообще же рассмотрение воздействия на душу того или иного музыкального средства просто снимается, и наслаждение остается единственным критерием музыкальной истины.

Именно в это время в употребление входят самые утонченные и изнеженные лады, кроме диатонического наклонения вводятся хроматическое и энгармоническое наклонения, расцветает виртуозная инструментальная игра, появляются великие артисты-виртуозы, находящие при игре на инструментах все новые и новые поразительные эффекты ярким представителем этих артистов являлся император Нерон , организуются грандиозные музыкальные соревнования и т. Сосуществование извращенной утонченности и интеллектуализма с площадной грубостью, экзотических мелодий тайных восточных культов с песенками требующих «хлеба и зрелищ» — таков диапазон музыки конца античного мира, музыки Римской империи перед пришествием Христа, музыки, духовно нравственный уровень которой являлся показателем духовно нравственного уровня государства и мира, ее породившего. Это глубочайшее падение и забвение Бога есть логически неотвратимое завершение пути музыки. Путь музыки не может привести к Богу, и даже когда по видимости музыка приближает сознание человека к богопозна-нию, как бы показывая ему небесную гармонию, числовую пропорциональность звукоряда или стройный космический порядок, через «рассматривание которого видимо невидимое Его, вечная сила Его и Божество»— даже тогда, познавши Бога, человек не прославляет Его как Бога, но начинает обожать сам этот космический порядок, число или гармонию, то есть поклоняться и служить твари вместо Творца, теряя ощущение того, как «страшно впасть в руку Бога Живого», и забывая о том, что «Бог любит до ревности». Музыка не в состоянии вывести сознание человека из этого состояния космизма или «замкнутости на космосе», она не в состоянии по истине прославить Бога, ибо прославление Бога есть начало богослужебного пения и конец музыки. Античная музыка, олицетворяющая собою всю музыку древнего мира, прошла через все четыре этапа своего развития: через магический этап с полумифической фигурой Орфея, усмирявшего игрой на лире адские силы; через мистический этап, когда природа магического экстаза сменилась пифагорейским очищением или катарсисом; через этап этический, этап распознания этической природы музыкальных структур; и, наконец, через этап эстетический, когда музыкальное вдохновение обрело безграничную свободу выражения.

Таким образом, к моменту Рождества Христова музыка исчерпала все свои принципиальные возможности и прошла полный цикл своего развития. Время музыки окончилось так же, как окончилось время ветхозаветного богослужебного пения. После Воплощения Господа нашего Иисуса Христа музыка может иметь место только там, где лю-ди еще не пришли ко Христу, не знают о Нем и живут как бы в дохристианские времена или там, где люди в какой-то степени отступили от Христа, где евангельская полнота почитаетстя недостаточной и ведется поиск чего-то еще, дополняющего ее, или же там, где вообще отрицается сам факт Воплощения Хри-стова. Однако если учесть, что потенциальные возможности бо -гопознания музыки, связанные с мистическим гармоническим катарсисом и с учением об этосе, были реализованы в новоза -ветном богослужебном пении и в преображенном виде сдела -лись его составной частью, то ясно, что на долю музыки после пришествия Христа остаются лишь магическо-экстатическое и эстетическое проявления ее. Это положение подтверждается всем дальнейшим ходом истории музыки. Именно магическая и эстетическая стороны музыки являются постоянным соблазнов для христианского сознания, и именно на эти пути экстатично — сти и эстетизма готово бывает порой соскользнуть богослужебное пение, и именно поэтому для нас так важно знать, где находятся исторические истоки этих соблазнов.

Начало христианского богослужебного пения Когда Господь наш Иисус Христос пришел на землю «обновить Адама ядью в тление падшаго люте», то обновилось не только все существо человека, весь его состав, но обновилось также и все от человека исходящее, вся сумма его поступков и действий. Старое все миновало, теперь все новое»,— восклицает святой апостол Павел. Человек, облекшийся во Христа, ставший новой тварью, уже просто не может не петь по-новому, ибо настало время «Песни Новой», предреченной святым пророком Давидом в словах: «Воспойте Господеви песнь нову! Суть новизны этого пения заключается в том, что земной перстный человек запел как ангел: «Иисус, Сын Отца щедрот, Бог истинный принес все обилие благодати,— принес к нам небесные песни. Ибо что говорят горе серафимы, он повелел говорить и нам: Свят, Свят, Свят»,— пишет святитель Иоанн Златоуст. Новизна этого пения есть новизна непреходящая, ибо не может быть ничего «новее» этой новизны.

И все то, что появляется в истории после этой новизны и по видимости кажется новым, есть на самом деле сползание в прошлое, в ветхое. Новизна эта не может быть также выведена из естественного хода истории, ибо целиком и полностью она есть следствие сверхъестественного вочеловечения Сына Божия. Однако в земной истории новизна эта не была явлена сразу, в какой-то чудесный момент, но постигалась и достигалась на протяжении многих веков, пока не была окончательно сформулирована и воплощена в осмогласной системе богослужебного пения Православной Церкви. Становление этой системы есть сложнейший, направляемый Духом Святым исторический процесс, суть которого заключается в соединении различных эллинистических, иудейских, сирийских, коптских и других национально-мелодических начал, а также преображение всего этого разнородного земного пения в единый и истинный образ пения небесного. Таким образом, музыка превратилась в символ Духа, который разлился над верующими, осенив каждого из них, причем единство его сути этим не затронуто»,— пишет современный исследователь церковного пения Генрих Бесселер. Членение этого небесного пения уже не обусловливается танцевальной, телесно-количественной ритмикой античной музыки, но представляет свободный разговорный ритмический строй нового типа, подражающий бесплотному умному строю пения ангельского.

История становления этой системы может быть разделена на два периода: первый — от мужей апостольских до святого Константина Великого , второй — от святого Константина Великого до преподобного Иоанна Дамаскина и VII Вселенского собора. Первый период отличается большим разнообразием самых разнородных мелодических традиций и довольно свободным применением их в практике отдельных церквей. Так, в первые годы христианское богослужение находилось в близких отношениях с ветхозаветным богослужением, совершавшимся в храме Иерусалимском. Апостолы и первые христиане, с одной стороны, пребывали всегда в храме, «прославляя и благословляя Бога», с другой стороны, они составляли свои собственно христианские собрания по домам. О том, что собрания эти сопровождались пением, свидетельствуют уже и послание святого апостола Иакова, и слова святого апостола Павла, в которых он советует назидаться «псалмами, славословиями и песнопениями духовными, поя и воспевая в сердцах Господу». Таким образом, певческая практика первоначальной иерусалимской церкви складывалась из двух компонентов: из ветхозаветного храмового пения и из народного или домашнего пения собственно христианских собраний.

Именно этот второй компонент и начал активно развиваться в практике новых образующихся храмов. О том, что пение этих собраний носило уже свой особый самостоятельный характер, свидетельствует Филон, писатель-иудей I в. Составление этих песен и гимнов, а также исполнение их носило свободный, может быть даже импровизационный характер. Здесь нет еще ни специальных правил богослужебного пения, ни специально обученных и подготовленных певцов, а так как первые христиане в основном были людьми простыми, то и пение их должно было быть простым и доступным по форме. Упоминаемый выше Филон так описывает это пение: «Один мерным и благозвучным пением начинает псалом, а прочие внимают ему молча и только в последних стихах присоединяют свои голоса». В этом описании легко узнается ипофонный принцип пения, сущность которого заключается в том, что участники пения подпевают одному основному самому опытному певцу, повторяя или всю мелодическую строфу, или только ее окончание, или одно какое-либо речение например: «Аллилуйя», «яко в век милость Его» и т.

В современной богослужебной практике следы ипофонного пения можно обнаружить в пении припевов «Яко с нами Бог» на праздновании Рождества Христова и «Славно бо прославися» в Великую Субботу. Исполнение прокимнов и повторение тропаря «Христос воскресе» на Пасху также можно рассматривать как образцы ипофонного пения. В богослужебной практике первых христиан ипофонное пение занимало, очевидно, главенствующее место не только в силу своей простоты и доступности, но и в силу своей традиционности, ибо и в ветхозаветном пении можно обнаружить этот принцип, проявляющийся в поэтической форме некоторых псалмов например, Пс. Наряду с ипофонным пением ранняя христианская церковь широко применяла антифонное пение, также глубоко коренящееся в ветхозаветной певческой традиции. В письме Плиния Младшего 106 к Трояну говорится, что «в некоторые дни христиане собираются перед восходом солнца и попеременно то есть антифонно приносят Богу хвалебные гимны». Это письмо совпадает по времени с жизнью и деятельностью святителя Игнатия Богоносца 49—107 и косвенно подтверждает свидетельство историка Сократа о том, что именно этот апостольский муж ввел антифонное пение в Антиохийской церкви, а отсюда, как из главного источника, оно распространилось и по всей христианской церкви.

Однако это свидетельство подтверждает только тот факт, что до времени епископства святителя Игнатия Богоносца 75 антифонное пение, будучи хорошо известным христианам, не было употребляемо ими только вследствие того, что христианское богослужение совершалось в глубокой тайне, негласно и возможно скромно, в то время как антифонное пение требует известной торжественности и приподнятости. Помимо ипофонного и антифонного принципов пения древняя христианская церковь знала также и принцип симфонного или согласного пения. Именно так святыми апостолами было определено трижды пропевать молитву Господню «Отче наш», и может быть, именно этот принцип пения в наибольшей степени воплощает стремление всего соборного православного пения, выраженного в словах: «едиными усты, единым сердцем». Все три принципа древнего христианского пения — ипофонный, антифонный и симфонный, как наиболее благолепные, слышатся совместно и ныне в православном богослужении на светлой седмице по указанию устава: «И начинает предстоятель канон, творение господина Иоанна Дамаскина. И паки последи кийждо лик поет ирмос. Последи же на сходе то есть оба лика вкупе катавасия, ирмос той же: Воскресения день; по нем Христос воскресе трижды» Ирмологий.

Это является свидетельством того, что ничто истинно ценное не может быть изъято из опыта Православной Церкви и что все духовно значимое навечно сохраняется в памяти ее. Помимо различения принципов пения, раннехристианская богослужебная практика различала также и типы отдельных песнопений. Так, святитель Григорий Нисский пишет: «Псалом есть мелодия, требующая музыкального инструмента; песнь есть напев человеческих уст, при котором звучат членораздельные слова. Гимн есть воздаваемое Богу благословение за дарованные нам блага» [71, с. В этих словах не только дается некая классификация песнопений, но также намечается и их иерархия, более четко выраженная святителем Иоанном Златоустом : «В псалмах сосредоточено все человеческое, в гимнах же нет ничего человеческого. Потому сначала наставь ребенка в псалмах, а уж тогда пусть он поет гимны, ибо последние более божественны.

Силы небесные воспевают гимны, а не псалмы» [71, с. Эти слова свидетельствуют о стремлении к созданию развитой и продуманной структуры богослужения, сопровождаемого строго определенным мелодическим чином, однако реализация этого стремления не могла быть достигнута на данном историческом этапе, на котором накладывались лишь основы мелодической системы. Именно от него берет свое начало святоотеческое учение о богослужебном пении как о единстве пения и жизни, сформулированное в положении: правильное пение есть следствие праведной жизни, и праведная жизнь есть условие правильного пения. Таким образом, возникает положение, согласно которому праведная жизнь уже есть пение. Святитель Григорий Нисский так раскрывает эту мысль: «Бог повелевает, чтобы твоя жизнь была псалмом, который слагался бы не из земных звуков звуками я именую помышления , но получал бы сверху, из небесных высот, свое чистое и внятное звучание. Слушатели этого псалма суть в иносказании те, кому ты подаешь пример достойной жизни» [71, с.

Ведь исполняя новую заповедь, человек уподабливается ангелам, а поскольку пение есть неотъемлемая часть ангельской природы, то и жизнь праведного человека становится пением. Такое понимание пения рождает учение о человеке как об инструменте Духа Святого. Подготовим себя для Него, как настраивают музыкальные инструменты. Пусть Он коснется плектром наших душ! Различные части человеческого тела уподабливаются частям музыкального инструмента: «Щеки, язык и устройство гортани — все это похоже на струны, по которым движется плектр, настраивая их высоту сообразно надобности. Губы, сжимаясь и разжимаясь, производят то же самое, что и пальцы, бегающие по отверстиям флейты» [71, с.

Развивая эту музыкальную антропологию, святитель Василий Великий как бы продолжает предыдущую мысль: «Под псалтерионом — инструментом, построенным для гимнов нашему Богу,— должно иносказательно разуметь строение нашего тела, а под псалмом следует понимать действие тела под упорядочивающим руководством разума» [71, с. Отсюда вытекают и практические выводы: «Музыка есть не что иное, как призыв к более возвышенному образу жизни, наставляющий тех, кто предан добродетели, не допускать в своих нравах ничего немузыкального, нестройного, несозвучного, не натягивать струн сверх должного, чтобы они не порвались от ненужного напряжения, но также и не ослаблять их в нарушающих меру удовольствиях: ведь если душа расслаблена подобными состояниями, она становится глухой и теряет благозвучность. Вообще музыка наставляет натягивать и отпускать струны в должное время, наблюдая за тем, чтобы наш образ жизни неуклонно сохранял правильную мелодию и ритм, избегая как чрезмерной распущенности, так и излишней напряженности» [71, с. Эти слова святителя Григория Нисского , являющиеся ключевыми в понимании святоотеческой музыкальной антропологии, отражают высшее развитие, очищение и преображение античного учения об этосе, а также полагают основание нового, чисто православного понимания богослужебного пения. Практическое воплощение этого учения заключается в понимании церковного устава не только как устава и чина христианской жизни, но и как некоего духовного «звукоряда», или чина пения, ибо если музыкальный закон, будучи законом телесным, воплощается в материальном звукоряде, в звуковысотной лест-вице, то богослужебное пение, будучи духовным, и закон имеет внутренний и духовный, воплощающийся в следовании души определенному духовному порядку, а лучше сказать, в порядке восхождения души по некоей таинственной лествице к Богу. Вот почему дальнейшая история богослужебного пения неразрывно связана со становлением церковного устава и с конкретной историей Типикона как книги, организующей внутреннюю и внешнюю жизнь христианина, истории, восходящей ко временам преподобного Ефимия Великого и святого исповедника Харитона.

Если же учесть, что Типикон есть порождение аскетического подвига, то именно здесь и можно усмотреть завязку узла трисоставности богослужебного пения. Таким образом, к концу первого периода своего исторического развития богослужебное пение христианской Церкви представляло собой уже достаточно многоплановое явление, включающее в себя, во-первых; дифференцированную практику с различными принципами пения и типами песнопений; во-вторых, зачатки системы, управляющей этими принципами и типами пения, организующей их в единую структуру и заключающейся в постепенно формирующемся церковном уставе; в-третьих, учение о богослужебном пении с концепцией человека, понимаемого как инструмент Духа Святого, и с вытекающей из этого понимания «музыкальной антропологией».

Организатору необходимо это знать, поскольку требования аудитории многое диктуют.

Детская аудитория требует точного расчета концерта во времени, поскольку дети быстро устают. С детской аудиторией важно очень тщательно продумывать подбор номеров, их расстановку, дети любят зрелищность, они против монотонности, хотят больше веселых и смешных номеров. Взрослая аудитория более восприимчива и к глубинно-содержательным номерам, более терпима, не устает от продолжительного концерта.

Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории. Трудно учесть интересы всех возрастных категорий зрителя. Разный возраст, разный уровень социальной зрелости, отношении к жизни, разный уровень культуры, разные возможности осмысления художественного материала, представленного на сцене исполнителями, требуют продуманности и соответствующей подачи каждого номера.

Организатору важно видеть и то, каким по содержанию является концерт, который он готовит. По содержанию концерты бывают: - тематические посвященные одной теме - политемные с разными тематическими блоками и направлениями.

Горе и радости организации фестиваля Но Екатерина и Мария отбирают резидентов так, чтобы не только угодить спросу масс, но и удивить аудиторию, предложить новинки, привить хороший вкус. Организаторы уделяют особое внимание поведению продавцов: отсутствие вежливости, понурый вид людей за прилавками портят атмосферу праздника. Таким участникам отказывают в месте на следующий год. Стартаперы, деньги и отфутболивание Может показаться, что Dream Team всё слишком легко даётся. Но проблемы существуют.

Одна из них — площадка. В регионах, по мнению Екатерины, сложно организовать большой open-air в центре города. Недостаточно больших, доступных и комфортных пространств с ровным ландшафтом. Ещё одна острая проблема для региональных крупных ивентов — поиск спонсоров. Как утверждает Екатерина Шихова, корпорации не хотят работать с провинциальными организаторами. Успешным проектам обязательно будут подражать. С копипастом столкнулись и фестивали Dream Team.

Иногда агентство узнаёт, что другие организаторы фестивалей пользуются их базой контактов, копируют письма и идеи. Впрочем, команда просто игнорирует подобные выходки. С крупными конкурентами, у которых есть свой оригинальный контент, она не вступает в конфликты, а наоборот — поддерживает партнёрские отношения. Екатерина считает, что конкуренты должны быть обязательно, иначе есть риск расслабиться. О пользе чёрного пиара Каждый год в городе проходят десятки и сотни мероприятий, на них даже приходят люди! Но чем яснее будет сформулирована идеология фестиваля, тем больше у него шансов жить долгой и счастливой жизнью. Желательно, чтобы идею можно было сформулировать так, чтобы даже шестилетний ребенок мог понять, о чем речь.

Работать надо с тем, с кем хочется обняться, на кого можно положиться и кто разделяет с тобой твои ценности — с этими людьми вы будете спорить, ссориться, мириться, ночевать в офисах и на площадке во время монтажа. Они со временем станут вашими ближайшими друзьями. Постоянно слушать, читать, смотреть, ездить по миру, перенимать опыт. И дело касается не только музыки, все должно быть интересно — как сделаны туалеты, как устроена логистика, декорации, кто какую сцену построил — ты каждый день впитываешь тонны информации, перерабатываешь и пытаешься сделать как можно лучше. Все эти люди важны и именно для них все это и делается. Куда фестиваль идет, как он должен развиваться, как один день превратится в три, можно ли масштабировать проект, как сделать так, чтобы он был важен для всей индустрии, а не просто остался проходящим мероприятием. Когда у вас есть идеология и стратегия, то и со спонсорами вы работаете не раз от раза, а много лет, реализуя общие для вас цели.

Лайн-апом, местом, площадкой, расписанием артистов, — ваши соцсети всегда будут наполнены фырканьем, претензиями и жалобами. Даже когда вам покажется, что все идеально, — найдутся крайне недовольные люди. И это нормально. Им всем надо вежливо и спокойно ответить, даже когда захочется взять в руки мачете, лучше этого не делать. Новый фестиваль очень долго будет раскручиваться, но это того стоит, когда через несколько лет к вам начнут приходить люди просто потому, что это стало частью их жизни — это будет самое приятное. Ощущения круче, чем когда ты оказываешься на фестивале, над которым работаешь на выступлении любимой группы, просто не существует. Надеюсь у вас это будет Radiohead!

Часто проверяете почту? Пусть там будет что-то интересное от нас. На самых ранних этапах организация онлайн-фестиваля ничем не отличается от организации любого другого события или мероприятия: все начинается с идеи и определения задач. Именно на стыке двух этих идей и родился DEA — фестиваль, задачей которого было с помощью современных британских культуры, истории, технологий и инноваций показать, как наш мир уже адаптировался к переменам и что мы должны сделать, чтобы и будущий опыт существования в нем был позитивным. Нашим самым первичным желанием, еще до формирования концепта и формата, было создание чего-то нового и экспериментального. Мы хотели, чтобы этот проект не был похож ни на какие другие наши активности, и в этом плане, мне кажется, нам получилось удивить самих себя. Лично для меня как для куратора всегда важен этот challenge — стремление открыть новые аспекты своей работы, тестировать новые ракурсы и точки зрения на проблему.

В плане концепта я немного сомневалась, насколько сработает такое многообразие и полиморфность тем, но, кажется, именно это стало залогом успеха фестиваля. Формат Для нас это был первый крупный проект, полностью проводимый в онлайне, и всем организаторам регулярно приходилось искать ответы на многочисленные вопросы: от технического воплощения тех или иных пожеланий до перипетий изменения часовых поясов в разных странах мира. С одной стороны, правильно быть готовыми к тому, что что-то пойдет не так, но с другой — важно не давать этому знанию взять верх над желанием сделать самый лучший продукт из всех возможных вариантов. Нам посчастливилось работать в команде перфекционистов, поэтому внутри нам очень понятен стандарт, к которому мы стремимся, но это может быть сложно и для нас, и для всех окружающих. Поэтому важный аспект в любом проекте — сразу настроиться на общую волну и добиваться цели в едином видении. Нельзя отрицать определенную усталость людей от и лекций: сложно представить человека, который посетит подряд десять сторонних событий конечно, не берем в расчет команду фестиваля :. Поэтому разные темы и форматы помогли нам на короткое время привлечь внимание разных групп людей — как профессионалов, работающих по теме, так и случайных прохожих.

Честно скажу, я была приятно удивлена, что люди оставались до самого конца мероприятий, — надеюсь, это объясняется высоким качеством контента. Когда делаешь офлайн-ивенты, как-то не так переживаешь за время, которое люди тратят на посещение, потому что обычно есть приятная социальная активность, возможность прогуляться, познакомиться с новыми людьми, угоститься печеньем… С онлайном все совсем по-другому: ты очень четко понимаешь, что встраиваешься не только в череду рабочих и домашних дел человека, но и соревнуешься с бесконечным разнообразием онлайн-контента, который можно смотреть, читать и слушать вместо твоего ивента. Это, конечно, большая ответственность. Контент Работа над контентом начинается с определения пула тем, выбора потенциальных спикеров, заключения договоренностей с партнерами — в этом смысле онлайн от офлайна отличается не самым коренным образом. В чем главное отличие, так это в особенностях потенциальных проблем, с которыми вы можете столкнуться в процессе. Всегда, какое бы мероприятие вы ни организовывали и как бы ни стремились к идеальному результату, необходимо помнить, что обязательно что-то пойдет не так например, спикер не сможет явиться на мероприятие, потому что застрял в пробке или же потому, что вы забыли о разнице часовых поясов. И это совершенно нормально: дело не в том, чтобы не возникло ни одной проблемы, а в том, чтобы возникшие неприятности были минимальны по своему воздействию и вы имели возможность решить их максимально быстро и эффективно.

Risk Assessment — необходимая часть организационного процесса, на него необходимо потратить достаточно времени, чтобы максимально продумать план Б на случай, если что-то пойдет не так. Я раньше курировала выставки современного искусства, и параллельно с концепцией мы обязательно составляли оценку факторов риска и план действий, причем до мельчайших подробностей: что делать, если упадет скульптура, если прорвет трубу в стене или люди как-то выйдут за пределы ожидаемой активности? С digital нужно делать то же самое, и это главный урок, вынесенный мной из нашего фестиваля. Мы были настолько увлечены программой и техническими вопросами, что, конечно, проделали какую-то часть этой работы, но, кажется, все же не до конца. Было представление — мол, ну что может пойти не так? В худшем случае у отключится интернет, но на самом деле, конечно, спектр потенциальных проблем гораздо шире и лучше быть к этому готовым. Невозможно спрогнозировать все риски, но старайтесь всегда иметь план снижения и управления ими.

Даже если вы тестировали все несколько раз и все было прекрасно, не исключено, что ситуация изменится в самый неподходящий момент. Также важно иметь команду, в которой четко распределены обязанности и каждый знает, что он делает. Каждое событие фестиваля сопровождалось редакционной поддержкой, что позволило решить две задачи: 1 Заинтересовать аудиторию и привлечь больше участников на само событие; 2 Поднять важную тему, вовлечь в актуальную повестку даже тех людей, кто по разным причинам не смог посетить мероприятие онлайн. Важную роль в вовлечении в повестку фестиваля сыграл разработанный командой фестиваля интерактивный тест на определение вашего британского альтер эго, в результатах которого мы давали не просто общие комментарии, но конкретные рекомендации о том, что есть, слушать, куда ехать, чтобы почувствовать себя современным британцем. Очень полезно и актуально в текущей ситуации практически полного отсутствия возможности для путешествий.

Организация концерта: Как зарабатывать на любви к музыке

В Италии XVII века скрипка и возглавляемое ею семейство смычковых альт, виолончель, контрабас выдвигаются на первое место. Новый инструмент с его богатыми красками и индивидуальным по тембру звуком открывает небывалые возможности для воплощения многообразия эмоциональных состояний человека. В творчестве этого скрипача-композитора впервые с такой силой раскрылась мелодическая природа инструмента. Восхищенные современники называли Корелли "новым Орфеем", "Колумбом в музыке". Во времена Корелли инструментальная музыка обычно исполнялась несколькими профессионалами вместе с группой любителей. Учитывая эту практику музицирования, композиторы выделяли в своих сочинениях партии солистов, как наиболее ответственные, противопоставляя им звучность всего оркестра tutti. Так возникла форма Concerto grosso "большого концерта" , нашедшая первое классическое воплощение в ор. Этот опус, включающий 12 концертов, был опубликован только в 1714 году, уже после смерти композитора, хотя несомненно приобрел широкую известность задолго до этого. В конце XVII века возникла и форма сольного скрипичного концерта, прообразом которой послужила оперная ария. Основоположником этой новой формы считается итальянский скрипач и композитор Джузеппе Торелли. В своем творчестве Вивальди воспринял новые прогрессивные тенденций итальянской инструментальной музыки и развил их дальше.

Концерты Вивальди произвели огромное впечатление на современников новизной своего стиля, раскрывшего небывалое богатство композиторской фантазии. Что же представлял собой в эпоху Вивальди сольный концерт, ставший, по словам одного исследователя, "ведущей формой инструментальной музыки позднего барокко"? По образцу 3-частной оперной "sinfonia" концерт состоял из двух быстрых частей и одной средней медленной. Под влиянием танцевальной инструментальной сюиты финальная часть была близка характеру жиги стремительного 3-дольного танца. Определяющей для всего цикла стала I часть. Наподобие оперной арии ее форму скрепляло многократное проведение оркестрового ритурнеля от итал. Ритурнель повторялся 4 или 5 раз, образуя своего рода "звуковые кулисы" для выступлений солиста вначале ритурнель проводился в неизменной тональности, но в конце XVII в. Сольные разделы, значительно более свободные в гармоническом отношении, носили модуляционный характер. Эта форма, основанная на чередовании ритурнельных tutti и сольных эпизодов, использовалась, и в финалах концертов. Однако ей не следовали механически, стремясь разнообразить изложение различными вариантами; в частности, 2-е и 3-е проведение ритурнеля давалось обычно в сокращенном виде.

Средняя часть концерта отличалась значительно большей простотой строения, представляя собой 3-частную песенную форму, иногда обрамляемую оркестровым ритурнелем. В ней безраздельно царила сольная кантилена, сопровождаемая обычно лишь группой инструментов continuo виолончель или контрабас с чембало. В творчестве Вивальди концерт впервые обрел законченную форму, реализовавшую скрытые возможности жанра. Это особенно заметно в трактовке сольного начала. Если в Concerto grosso Корелли краткие, по несколько тактов, сольные эпизоды образуют замкнутое целое, то у Вивальди выступления солистов рождены неограниченным полетом фантазии; в свободном, порой импровизационном изложении их партий раскрывается виртуозная природа инструментов. Соответственно возрастают масштабы оркестровых ритурнелей и вся форма приобретает совершенно новый динамичный характер, подчеркнутый функциональной четкостью гармоний и резко акцентированной ритмикой. Особенно поражало современников типичное для Вивальди начало концертов с трех жестко маркированных аккордов оркестра; этот прием называли "ударами молотка Вивальди". Найджел Кеннеди. Концерты Вивальди для двух скрипок с оркестром Как уже говорилось, Вивальди принадлежит огромное количество концертов для различных инструментов, в первую очередь для скрипки. В настоящее время известно 220 концертов только для одной скрипки с сопровождением, а всего в наследии Вивальди насчитывается свыше 450 произведений названного жанра.

При жизни композитора из концертов было опубликовано сравнительно немногое - 9 опусов, из которых 5 опусов охватывают по 12 концертов и 4 по 6. Bce они, за исключением 6 концертов ор. Возможно, Вивальди сознательно не допускал публикации своих наиболее сложных и выигрышных в техническом отношении концертов, стремясь сохранить в тайне секреты исполнительского мастерства. Позднее аналогичным образом поступал Н. Показательно, что подавляющее большинство опубликованных самим Вивальди опусов 4, 6, 7, 9, 11, 12 состоит из наиболее легких в исполнительском отношении скрипичных концертов. Исключение составляют знаменитые опусы 3 и 8: ор. Рукописные копии отдельных концертов находятся во многих городах Европы, что подтверждает факт их распространения еще до издания опуса в целом. Черты стиля и своеобразное "2-хорное" разделение партий оркестра позволяют отнести возникновение замысла цикла к началу 1700-х годов, когда Вивальди еще играл в соборе св.

Занимаясь подготовкой концерта, организатору важно посмотреть на него и с других позиций. Концерты подразделяются и по месту постановки. Концерты подразделяются и по составу участников. В программе могут быть задействованы и взрослые, и дети, и даже профессиональные исполнители вместе с исполнителями-любителями. В зависимости от числа участников концерты подразделяются на: — сольные выступления одного исполнителя , — групповые выступления группы исполнителей — ансамбль, коллектив и т. Концерты подразделяются и по составу аудитории, для которой они проводятся. На практике чаще всего встречаются три таких вида: концерты для взрослой аудитории, для детской аудитории и для смешанной аудитории. Организатору необходимо это знать, поскольку требования аудитории многое диктуют. Детская аудитория требует точного расчета концерта во времени, поскольку дети быстро устают. С детской аудиторией важно очень тщательно продумывать подбор номеров, их расстановку, дети любят зрелищность, они против монотонности, хотят больше веселых и смешных номеров. Взрослая аудитория более восприимчива и к глубинно-содержательным номерам, более терпима, не устает от продолжительного концерта. Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории. Трудно учесть интересы всех возрастных категорий зрителя. Разный возраст, разный уровень социальной зрелости, отношении к жизни, разный уровень культуры, разные возможности осмысления художественного материала, представленного на сцене исполнителями, требуют продуманности и соответствующей подачи каждого номера. Организатору важно видеть и то, каким по содержанию является концерт, который он готовит. По содержанию концерты бывают: — тематические посвященные одной теме — политемные с разными тематическими блоками и направлениями. Тематические концерты в свою очередь, подразделяются на сюжетные и бессюжетные. В сюжетном концерте все номера подчинены единому сюжетному ходу, а в бессюжетном — номера подаются по другим замыслам и мотивам организатора. Концерты подразделяются и в зависимости от числа жанров известны жанровые концерты литературные или только лишь хореография: музыкальные концерты многожанровые которые чаще всего даются сборными. В сборном концерте встречаются разные исполнители, разные жанры: песни, стихи, проза, танцы, цирковые номера, отрывки из спектаклей и т. Приступая к работе над сборным концертом, надо помнить об основных принципах его организации.

Найти информацию Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории, например, в школьном зале, так как трудно учесть интересы всех возрастных категорий зрителя. Концерты подразделяются и в зависимости от числа жанров. Известны одножанровые концерты литературные, хореографические , музыкальные и многожанровые, которые чаще всего называются сборными. В сборных концертах встречаются и цирковые номера, и отрывки из спектаклей, а еще песни, стихи, танцы, проза… Приступая к работе над сборным концертом, следует помнить об основных принципах его организации: - Учитывать время всех номеров и концерта в целом. Психология восприятия такова, что если зритель переступил «границу» усталости, то никакие, даже самые интересные номера не будут им восприняты должным образом. Если концертная программа разрастается, то порой уместно сделать концерт в двух отделениях с перерывом для зрителей. Первое отделение концерта тогда должно нести большую содержательную нагрузку и быть больше по времени, а второе — содержать более зрелищные номера и по времени быть существенно короче первого. Если их не решить вовремя, проблемы могут помешать восприятию самых зрелищных или значимых для праздника номеров: когда и куда вывести хор, куда деть стоящий на сцене рояль и т. Если звучала песня, то после нее не стоит снова ставить песни — они будут восприниматься с пониженным уровнем внимания. Если звучала грустная мелодия, то не стоит держать зрителей долго в этом минорном настроении. Впрочем, есть «свое лицо» у каждого концерта. Иногда концерт строится по принципу «блоков», и тогда каждый блок — часть концерта — строится на одном настроении достаточно долго. Например, несколько номеров фольклорного жанра удобнее подать под каким-то одним знаком. При умелой мотивации каждого блока интерес зрителей не снижается. Важно, чтобы юный исполнитель испытал чувство радости от выступления и успеха. Самые зрелищные, динамичные, яркие номера лучше распределить по принципу нарастания ближе к финалу.

Самые зрелищные, динамичные, яркие номера лучше распределить по принципу нарастания ближе к финалу. Немаловажно сразу же решить вопрос, с какого эффектного номера начать концерт, чтобы сразу захватить внимание зрителя, и каким ярким заключительным номером поставить «точку» в конце всего концерта. Вялое инертное начало разочарует зрителя и в дальнейшем выправить программу и привлечь внимание к ней будет сложнее. А размытый, не запоминающийся номер в конце концерта может испортить впечатление от всего концерта, даже если его составляли неплохие номера в начале. Иногда несколько номеров в программе естественнее подать единым концертным блоком. Например, несколько номеров фольклорного жанра удобнее подать под одним каким-то знаком, объявив этот блок соответствующим образом. В одном концерте может сложиться несколько подобных блоков и при умелой мотивации интерес к программе не снижается. Сборный концерт, как правило, гибкий, мобильный. Сценарий такого концерта не отличается большой сложностью. Это, в основном, текст для ведущего. Текст между концертными номерами, в таком концерте называется иногда связками, «нырками». Жесткой сцепки между номерами в сборном концерте нет, и при необходимости умелый конферансье может что-то поменять даже по ходу концерта.

Азы музыкального искусства (сольные выступления)

Смешанная аудитория представляют собой наибольшую сложность. Организация концертов представляет собой сложный комплексный технический процесс, поскольку для качественного выступления необходимо обеспечить: Живые выступления — наиболее сложный формат концертного мероприятия. Сейчас по всему миру проводятся крупные ивенты, собирающие десятки и сотни тысяч любителей различных жанров музыки. Большое скопление народа вызывает массу п.

Абонементы на концерты проходящие в концертном зале имени чайковского можно приобрести егэ

Исходя из этого, распределяются и номера концертов. Концерт любого вида может иметь и еще свою дополнительную жанровую окраску, что сразу же просматривается и в названии концерта. Например, митинг-концерт, концерт-бенефис и т. В некоторые концерты их авторами включаются такие структурные части, как пролог и эпилог, которые несут свою смысловую и художественную задачу к общему замыслу сценариста и режиссера. Размещено на Allbest. Виды концертов по их целевому назначению, месту постановки, составу участников и аудитории, содержанию. Принципы организации концертов и театрализованных представлений. Специфика жанрового исполнения варьете-представлений вокал, танец, оригинальные номера. Режиссура концертных номеров и программ варьете и кабаре представлений. Классификация и типы концертов, их отличительные особенности, структура. Технология подготовки и проведения.

Правила поведения в театре. Виды концертов и их характеристика. Сценарно-режиссёрская разработка театрализованного концерта «Мама — Родина — Россия». Характеристика действующих лиц. Законы композиционного построения, выбор тематики и использование разнообразных средств воздействия в театрализованном тематическом вечере. Требования к участникам концертных программ: режиссеру, ведущему, исполнителям, музыкантам. Структура и характеристика основных элементов концертной деятельности. Специфика режиссуры в культурно-досуговых программах.

Важно не допускать однообразия в расстановке номеров по их жанру, настроению. Если звучала песня, то после нее не стоит снова пускать другие песни.

Если было стихотворение, то после него лучше воспримутся песни, танцы, а слово здесь уже будет приниматься с пониженным вниманием. Если звучала грустная мелодия, то не стоит и дальше держать долгое время зрителей в минорной тональности других номеров. Организатору важно, каждый номер концерта ставить в выгодные для исполнителя условия. Важно, чтобы юный исполнитель испытал чувство радости от выступления и успеха. Концерт пройдет с успехом, если его программа составлена с учетом нарастания зрительского интереса. Самые зрелищные, динамичные, яркие номера лучше распределить по принципу нарастания ближе к финалу. Немаловажно сразу же решить вопрос, с какого эффектного номера начать концерт, чтобы сразу захватить внимание зрителя, и каким ярким заключительным номером поставить «точку» в конце всего концерта. Вялое инертное начало разочарует зрителя и в дальнейшем выправить программу и привлечь внимание к ней будет сложнее. А размытый, не запоминающийся номер в конце концерта может испортить впечатление от всего концерта, даже если его составляли неплохие номера в начале. Иногда несколько номеров в программе естественнее подать единым концертным блоком.

Например, несколько номеров фольклорного жанра удобнее подать под одним каким-то знаком, объявив этот блок соответствующим образом. В одном концерте может сложиться несколько подобных блоков и при умелой мотивации интерес к программе не снижается. Важно заботиться и о целостности впечатления по поводу всей концертной программы, помнить о ее развитии, динамике. Сборный концерт, как правило, гибкий, мобильный. Сценарий такого концерта не отличается большой сложностью. Это, в основном, текст для ведущего. Текст между концертными номерами, в таком концерте называется иногда связками, «нырками». Жесткой сцепки между номерами в сборном концерте нет, и при необходимости умелый конферансье может что-то поменять даже по ходу концерта. Тематический концерт строится по всем тем же законам, что и сборный, но его номера раскрывают какую-либо тему и придерживаются ее.

Фестиваль был организован при поддержке компании Apple, а именно Стивом Возником, в 1983 году, в городе Нью-Йорк. Мероприятие посетило почти 600 тыс. Количество людей: около 980 000. В 1997 году почти миллион жителей города Нью-Йорк пришли на бесплатный концерт кантри исполнителя Гарта Брукса в Центральном парке, и 14 млн. Не нашли фото в хорошем качестве : Не нашли фото в хорошем качестве : 5. Концерт группы "The Rolling Stones". Количество людей: около 1 300 000. Еще один бесплатный концерт, еще одно рекордное количество зрителей. Шоу состоялось на пляже Копакабана, в бразильском городе Рио-де-Жанейро. Фестиваль "Festival Peace without Border".

Детская аудитория требует точного расчета концерта во времени, поскольку дети быстро устают. С детской аудиторией важно очень тщательно продумывать подбор номеров, их расстановку, дети любят зрелищность, они против монотонности, хотят больше веселых и смешных номеров. Взрослая аудитория более восприимчива и к глубинно-содержательным номерам, более терпима, не устает от продолжительного концерта. Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории. Трудно учесть интересы всех возрастных категорий зрителя. Разный возраст, разный уровень социальной зрелости, отношении к жизни, разный уровень культуры, разные возможности осмысления художественного материала, представленного на сцене исполнителями, требуют продуманности и соответствующей подачи каждого номера. Организатору важно видеть и то, каким по содержанию является концерт, который он готовит. По содержанию концерты бывают: тематические посвященные одной теме политемные с разными тематическими блоками и направлениями. Тематические концерты в свою очередь, подразделяются на сюжетные и бессюжетные.

Структурные составляющие постановки концертной программы

это музыкальное произведение, исполняемое одним или несколькими солирующими инструментами с оркестровым сопровождением, где меньшая часть принимающих участие противостоит большей или оркестру полностью. Концерты подразделяются и по месту постановки. ь стационарным (выступление на своей привычной сцене). Опытные музыканты-духовики имеют в памяти своеобразный запас фрагментов оркестровых партий и solo, представляющих наибольшую сложность. Молодые оркестранты часто также выучивают оркестровые трудности наизусть. Взрослая аудитория более восприимчива и к глубинно-содержательным номерам, более терпима, не устает от продолжительного концерта. Наибольшую сложность представляют собой концерты для смешанной аудитории. Массовый праздник проводится только тогда, когда. Многожанровые концерты чаще всего называются. Наибольшую сложность представляют собой концерты. Наука о празднествах называется. В математическом выражении это правило представляло собой уравнение, в котором больший отрезок прямой относится к меньшему так же, как их сумма к большему отрезку.

Как организовать концерт своей группе

• Ещё документы из категории художественная культура:
• Как составить сценарий концерта
• Post navigation
• История развития концерта для фагота

История развития концерта для фагота

Италия Согласно итальянскому законодательству, организатор также известный как музыкальный промоутер концерта, чтобы получить разрешение на получение специальной лицензии административной полиции ранее Tulps , должен соблюдать установленные правила, контроль за которыми возложен на провинциальные наблюдательные комиссии. Среди необходимых условий безопасности к основным относятся технические характеристики сцены, оборудования и электрических систем, наличие соответствующих эвакуационных выходов свободных, видимых и обозначенных , пожарных и огнетушителей вблизи сцены и по всей конструкции, использование кабельных каналов для прокладки кабелей в помещении и ограждений для разграничения зон риска, наличие машин скорой помощи и врачей, надлежащее количество туалетов химических туалетов там, где их нет , наличие зоны для инвалидов и т. В Италии основные концертные промоутеры и продюсеры основали Assomusica в 1996 году во Флоренции , итальянскую ассоциацию организаторов и продюсеров живых музыкальных выступлений.

Ну и самую бурную реакцию у публики Кидман вызвал, когда после очередной песни поблагодарил пришедших людей русским "спасибо". Слово не самое сложное для разучивания, но все равно было приятно. В этот вечере вокалисту Meshuggah было с кем налаживать контакт — танцпол "Точки" был полон. Отыграв "всего" 11 песен по ощущениям - как будто закончил решать полуторачасовую контрольную по интегралам с параметром , шведы ушли со сцены. Вместе с перерывами на дополнительную настройку и общение с людьми весь концерт не занял и часа. Публика посчитала, что для первого раза в России этого явно недостаточно: народ стал скандировать название группы, и, как выяснилось, не зря.

Вышедший Йенс сказал, что последние пять лет Meshuggah ни разу не играла "на бис", но ради российской публики нарушит это правило. Сыграв Soul Burn, Meshuggah ушла за кулисы окончательно. Сетлист концерта в Санкт-Петербурге не отличался от московского ни на одну композицию. Правда, знающие люди говорят, что звук на питерском концерте был немного лучше. Во время концертов один из гитаристов к несчастью, не представляется возможным определить кто даже "загадочно" поиграл начало российского гимна в перерыве между песнями.

Иногда несколько номеров в программе естественнее подать единым концертным блоком.

Например, несколько номеров фольклорного жанра удобнее подать под одним каким-то знаком, объявив этот блок соответствующим образом. В одном концерте может сложиться несколько подобных блоков и при умелой мотивации интерес к программе не снижается. Важно заботиться и о целостности впечатления по поводу всей концертной программы, помнить о ее развитии, динамике. Сборный концерт, как правило, гибкий, мобильный. Сценарий такого концерта не отличается большой сложностью. Это, в основном, текст для ведущего.

Текст между концертными номерами, в таком концерте называется иногда связками, «нырками». Жесткой сцепки между номерами в сборном концерте нет, и при необходимости умелый конферансье может что-то поменять даже по ходу концерта. Тематический концерт строится по всем тем же законам, что и сборный, но его номера раскрывают какую-либо тему и придерживаются ее. Для того чтобы поставить тематический концерт, организатору его, порой не хватает имеющихся номеров и репетируются, разучиваются специально подходящие к данной теме номера концерта. А в сборном концерте номера используются те, что есть. Среди всех названных видов концертов особое внимание приходится уделять театрализованному концерту, поскольку из всех концертных форм самый зрелищный, яркий, масштабный, и самый трудный и по замыслу, и по его организации и воплощению.

Театрализованный концерт всегда тематический в своей основе. Такие концерты чаще всего готовятся, и посвящаются значительной дате, большому празднику, торжеству. Значимость придает ему размах. В таком концерте используются многие технические средства, участвуют большие исполнительские коллективы, задействует большая сценическая площадка. Такой концерт чаще всего имеет сюжетную линию, сквозных героев, как в театре. Именно по этим основным признакам театра - сюжету и игре актеров и называется такой вид концерта - театрализованным.

Все художественные номера концерт, вплетаются в канву сюжета.

Используются крайние регистры фагота, стаккато по всему диапазону инструмента, скоростные пассажи. Однако, как и в случае с классическими произведениями, не следует прибегать к максимальной скорости исполнения. Этому способствовало совместное изучение возможностей композиторами и исполнителями. В качестве примера можно привести серию пьес «Секвенции» итальянского композитора Лучано Берио, которые являются фактически «энциклопедиями» современной исполнительской техники. Для фагота написана «Секвенция XII». В ней используются такие техники как цепное дыхание, глиссандо, фруллато, многозвучия, бисбигляндо, широкие трели, четвертьтоновые интонации и другие приёмы. Также в XX веке академическая музыка испытывала влияние других жанров, например, джаза. Это проявляется в использовании синкопированных танцевальных ритмов, определённых тембров инструментов, гармоний и интонаций.

На формирование национальных школ часто влияет народная музыка. Всё это в целом приводит музыку к эклектике, соединению различных школ, техник и приёмов. Из советских и российских авторов известны концерты Юрия Каспарова, Льва Книппера, концерт для фагота и низких струнных Софии Губайдулиной. Всего же было написано несколько десятков концертов различных авторов. Одной из реакций на чрезмерную сложность музыки стало минималистическое направление. Этот метод композиции основан на так называемых «паттернах» — звуковысотных и ритмических ячейках, которые в ходе произведения постоянно повторяются и варьируются. Среди произведений для фагота можно отметить концерт для фагота, маримбы и струнных Марьяна Мозетича, испытавшего в своём творчестве влияние минимализма. XXI век в целом продолжает развитие XX века. Появляются произведения как чрезвычайно насыщенные и сложные, так и простые минималистичные, как атонально-шумовые, так и мелодично-лирические в духе романтизма.

Для эпохи постмодернизма, начавшейся в XX веке, характерны такие приёмы как цитирование, случайность, интерес к экзотическим культурам. Так, например, концерт для фагота американского композитора Давида Чески цитирует соло фагота из «Весны священной» Стравинского.

Похожие новости: